EJE CRONOLÓGICO HISTORIA DEL ARTE

GÓTICO

Period: 1200 to 1500

Desde comienzos del siglo XIII hasta mediados del siglo XVI

RENACIMIENTO SIGLO XV- XVI

Period: 1400 to 1500

La Anunciación (Fra Angelico) 1424-1426

1416

• Luz es diáfana y clara
• Mayor profundidad gracias a la introducción de la arquitectura
• Bóvedas de crucería, columnas, banco corrido
• Camera virginis (punto de fuga, profundidad)
• Iconografia medieval: tradicionalmente cerrado, alusión a su virginidad
• Expulsión del paraíso

ESTILO FLAMENCO

Period: 1425 to 1500

La Anunciación (Fra Angelico) 1424-1426

1426

RENACIMIENTO - Quattrocento - (Florencia)
- Óleo y pan de oro sobre tabla
- Profunda religiosidad: huye de lo trágico.
- Tema religioso, mitologico y literario
- Colores vivos y armoniosos, de gran riqueza cromático.
- Representación verosímil de la naturaleza
- Construcción del espacio a través de la perspectiva lineal. (Interés por la perspectiva)
- Idealización
- Antropocentrismo
- Volumen y modelado
- Humanización y singularidad
- Predominio del dibujo y el trazo continuo

El descendimiento de la Cruz (Rogier van der Weyden)

1433

• Cristo y virgen en "S" horizontal y San Juan y M. Magdalena cerrando la escena en paréntesis ()
• Decoración de tracería gótica junto con referencias a los fundadores de la capilla de Nuestra Señora de Extramuros de Lovaina del gremio de ballesteros

El descendimiento de la Cruz (Rogier van der Weyden)

1433

GÓTICO: Escuela flamenca h.1433
- Minuciosidad y gusto por el detalle (expresividad en los rostros y gran detalle en la vestimenta).
- Naturalismo y realismo.
- Se delimitan las formas, marcan modelados y se crean ritmos compositivos.
- La luz contribuye a destacar el volumen
- La composición equilibrada, tiene muy en cuenta el eje de simetría.
- Color elemento clave (gamas ternarias)
- Posturas duplicadas

El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa (Jan van Eyck)

1434

• Brillantez gracias a la nueva técnica: el óleo
• Sensación de profundidad
• Proporción y armonía
• Aparición de un espejo (recurso usual en la pintura flamenca)
• Desde ninguno en el gótico lineal hasta algo de volumen en el gótico internacional.
• Valor narrativo con figuras agrupadas que inician una relación Carga simbólica (desposorio de la pareja).
• Aparecen los fondos con escenario.
• Aparece el retablo.

El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa (Jan van Eyck)

1434

GÓTICO FLAMENCO
-Aparece: el retrato burgués
-Preocupación por la luz y la perspectiva.
-La luz da volumen a los personajes a la vez que crea atmósferas o ambientes.
-Naturalismo
-Deleite en la reproducción de objetos y minuciosidad (en el tratamiento de los vestidos y el ambiente)
-Los colores cobran una profundidad, una luminosidad y una transparencia.

Tríptico Jardín de las delicias (El Bosco) 1490-1500

1490

-Coloca siempre la línea del horizonte muy alta para lograr profundidad y poder poner sucesivos planos que, a pesar de su independencia, se funden unos con otros
- Gran presencia del surrealismo ( fauna y flora).
- Conocimiento de la fauna y la flora (precisión y detalle)
- Futurismo en fuentes escultóricas, arquitectónicas y orgánicas
- Perspectiva aérea y caballera
- Narrativa secuencial (tradición medieval)
- Veladuras (para lograr esa sensación traslúcida)

Tríptico Jardín de las delicias (El Bosco) 1490-1500

1490

RENACIMIENTO FLAMENCO
- Temas: biblícos ejemplarizantes, paisaje costumbrista y retratos
- Brillantes colores
- Visión poética
- Cromatismo y colores brillantes
-Claroscuro
- Tratamiento de la luz y de la perspectiva.
-Grandes objetos que actúan como ejes organizadores

Descanso en la Huida a Egipto (Gérard David )

1515

• Carácter íntimo y cotidiano
• Amplio paisaje
• Eje simétrico de la escena (Virgen con el niño)
• Gran verticalidad (influencia quattrocentista) PECULIARIDADES DEL CUADRO
• Sensibilidad en la gradación de los colores, sobre todo en el azul verdoso, tan característico del Gérard David de la última etapa.
• Tratamiento de la luz y las sombras le aproximan al sfumato leonardesco
• Técnica próxima a la miniatura

Tríptico del carro de heno (El Bosco)

1515

PINTURA GÓTICA FLAMENCA (1512-1515)
- Temática religiosa y espiritual
- Óleo sobre tabla.
- Enormemente detallistas
- Se perfecciona el retrato
- Se reivindica el paisaje como parte de la pintura
- se “descubre” la perspectiva, a veces incluso aérea, a vista de pájaro.
- El paisaje más próximo es un tanto estereotipado, mientras que los paisajes reales se dejan para los fondos más alejados.
- Aparición de mensajes morales
- Surrealismo e iconografía musical

Descanso en la Huida a Egipto (Gérard David )

1515

GÓTICO (Escuela flamenca) Hacia 1515
- Nuevo lenguaje caracterizado por la gravedad de los sentimientos, la fuerza y plasticidad de las formas, el sentido monumental de las composiciones
- Intensidad del colorido
- Habilidad de modelado
- Interés por la luz: le lleva a conseguir casi una perspectiva aérea.
- Gusto por el detalle
- Minuciosidad
- perfección y belleza en la ejecución
- Naturalismo en la escena (manto de la Virgen, bosque alto de castaños y hayas...)

MANIERISMO

Period: 1525 to 1600

Lavatorio (Tintoretto)

1549

Excentricidad
Asunto principal a la derecha, confinado en una esquina del enorme lienzo (pintado para ser visto desde la derecha)
Vertiginosa diagonal empieza en los pies de San Pedro hasta el punto de fuga en mitad del arco)
Perro representado pudo haberlo pintado Giacommo Bassano (era común que en cuadros de pintores venecianos, los animales y paisajes los pintaran pintores flamencos )

Lavatorio (Tintoretto)

1549

MANIERISMO VENECIANO
- Óleo sobre lienzo
- Lienzos de grandes extensiones
- Colorido veneciano (intenso cromatismo)
Importancia gran escenario
- Figuras realistas
- Carácter teatral
- Gran complejidad espacial
- Sensación luz irreal que crea volúmenes mediante el claroscuro
- Pinceladas densas con mucho empaste
- La composición es abierta y asimétrica

- Consigue profundidad mediante perspectiva geométrica y aérea
- Las pinceladas suelen ser densas con mucho empaste

Lavatorio (Tintoretto)

1549

• Punto de fuga se eleva y hace que las composiciones sean mucho más profundas y permite que los personajes se introduzcan dentro de ella. (Es una forma distinta de entender la concepción del espacio y narración ya que por ejemplo Tiziano crea una pintura narrativa, donde se utiliza un horizonte bajo con figuras en paralelo al escenario arquitectónico)
• Tema religioso y mezcla de lo trágico y cómico.

La Anunciación (El Greco) 1597 - 1600

1600

MANIERISMO
- Óleo sobre lienzo
- Tenebrista
- Ligero claroscuro
- Pincelada alargada y aplicada con rapidez y soltura
- Estatismo (parte baja) y movimiento (alta) en el cuadro
- Composición en una doble diagonal
- Colores característicos de El Greco (azules, verdes, rosas...)
- Iconografía musical sacra (instrumentos de viento) y profana (de cuerda)
- La forma se funde con el mensaje doctrinal que encierran
espectacular protagonismo a la luz y el color

BARROCO Siglo XVII-XVIII

Period: 1600 to 1700

ADORACIÓN DE LOS PASTORES (EL GRECO)

1613

Las pinceladas son sueltas y fluidas

Las figuras tienen volumen

La luz parece irreal (propio del manierismo)

ADORACIÓN DE LOS PASTORES (EL GRECO)

1613

MANIERISMO obra: (1612-1613)
Tema religioso
Óleo sobre lienzo
Se observan dos niveles diferentes
Contraste de espacios llenos y vacíos
Las figuras como es característico del pintor se alargan en pastores, ángeles.
Abundan las líneas serpentinatas y escorzos
Gama cromática con fuertes contraste entre colores cálidos como el rojo, anaranjados y fríos como verdes, morados, azules y el fondo grisáceo de la cueva.

El rapto de Europa (Rubens, Pedro Pablo)

1629

RENACIMIENTO ITALIANO VENECIANO
- Produce una adaptación del original a la técnica y la composición del flamenco, con mayor presencia de la línea y un uso del color mucho más vibrante y brillante.
- Las figuras adquieren naturalidad, espontaneidad. El instante y el movimiento quedan plasmados.
- Rubens imita a Tiziano, aunque cambia por ejemplo los tonos dorados y rojizos del cielo tormentoso en grises y azules que dan a la escena un aspecto menos tenebroso.

LAS TRES GRACIAS (Rubens, Pedro Pablo)

1635

1630-1635 BARROCO Países Bajos
La composición es simétrica, triangular y llena de múltiples curvas, lo que crea un mayor dinamismo en la escena.(invitan a pensar en una danza.)
La gama cromática es rica, viva y brillante,
La luz naturalista que, además, contribuye a resaltar los volúmenes y los detalles, por ejemplo, el paisaje
Función recreativa por su alegría y dinamismo
Figuras realistas, sensuales y opulentas;

LAS TRES GRACIAS (Rubens, Pedro Pablo)

1635

Cánones de belleza del período, es opulento voluminoso (muy alejado de la armonía clásica)
El soporte de esta pintura es el lienzo y su técnica es el óleo donde se emplea el aceite como aglutinante.
La pincelada suelta es muy visible.
En el espacio se puede observar un paisaje con perspectiva aérea o sfumato
Postura bastante estable para el período en el que fue pintada, pero está presente la expresividad y la relación que existe entre los personajes

VENUS DEL ESPEJO (VELÁZQUEZ)

1651

BARROCO (ESPAÑOL) 1647-1651
Tema: mitológico además de desnudo femenino
Luz: Su carácter es representativo, busca destacar los volúmenes y remarcar las distintas texturas. (En este caso foco procedente de la izquierda)
Perspectiva: El espacio se desarrolla en diagonal y los sucesivos planos en profundidad se unifican
Figuras proporcionadas además de idealización.
Busca sensualidad conseguida por medio de las posturas relajadas y el exquisito tratamiento de las texturas (ej. sábanas)

VENUS DEL ESPEJO (VELÁZQUEZ)

1651

Técnica y soporte: óleo sobre lienzo,
Línea: Predomina claramente el color sobre la línea gracias a la pincelada suelta. Entre las líneas destacan las curvas suaves que cargan de sensualidad la escena.
Colores: tonos cálidos (carnaciones, rojo del cortinaje...) que destacan sobre otros tonos más neutros de sábanas y fondo amarronado.

VENUS DEL ESPEJO (VELÁZQUEZ)

1651

Composición: sumamente elaborada que además renuncia a la movilidad,
Destacar también el gran uso de la pincelada suelta o la aparición del espejo (muy habituales en Velázquez).

Las Meninas (Velázquez)

1656

• El manejo de la proporción y la composición (es evidencia del legado del renacimiento).
• Importancia del catolicismo en la época, se le da su espacio dentro de la composición (monja con el hábito).
• Presencia del rey es simbólico o alegórico dentro de la obra.
• El arte permanece, el cuerpo y el reflejo desaparecen. El espejo a modo de “vanitas” podría representar la fugacidad de la vida.
• Domina la sensación de movimiento paralizado
• Enfoque realista de la figura humana

Las Meninas (Velázquez)

1656

• Colores ricos e intensos y fuertes luces y sombras
• Dominio de la perspectiva lineal (suelo de la habitación) , aérea (con el color y luz)
• Sensación de abocetamiento y verismo prodigioso

Las Meninas (Velázquez)

1656

BARROCO
- Efectos lumínicos del claroscuro y la superposición de sendas perspectivas, lineal (suelo de la habitación) y aérea (con el color y luz), logran una sensación de rea¬li¬¬dad casi mágica.
- Sorprendente originalidad como género: a medias entre el retrato colectivo de aparato y una íntima «escena de conversación», que comenzaban a prodigarse en la pintura del norte de Europa.
- Produce una reducción o purificación en su pintura, gracias a una mayor dilución de los pigmentos.

Las Meninas (Velázquez)

1656

• La técnica, caracterizada por una mayor soltura en la aplicación de los recursos pictóricos. Es una pintura que se puede calificar de borrones, en la más pura tradición tizianesca. Técnica “ alla prima”
• Coleccionismo (habitación oscura, llena de cuadros)
• Se refleja esa libertad del artista: Velázquez puede experimentar el arte a su gusto
• La profundidad de la obra permite sentir el espacio que hay entre las figuras y el fondo.

LAS HILANDERAS (Velázque,Diego)

1657

BARROCO
- Velázquez introduce el recurso Barroco del cuadro dentro del cuadro (el tapiz con el rapto de Europa) y para incitar al equívoco coloca lo menos importante la escena de género en primer plano y los esencial en el fondo.
- Diferentes planos: figuras realistas (primer plano) contraluz (segundo) centro del cuadro punto con mayor penumbra. El plano del fondo representa una estancia iluminada en la que la luz cae en diagonal.
-Los protagonistas son: LUZ Y EL ESPACIO.

LAS HILANDERAS (Velázque,Diego) 1655-1660

1660

-Existen dos focos de luz uno Aracne y otro el escenario teatral del fondo y en medio la penumbra en la que se encuentran: las escaleras, una trabajadora.

-La perspectiva lineal, paredes con punto de fuga en el fondo, disminución del tamaño de las figuras hacia el fondo.
-Sensación de movimiento (la rueca) gracias a la alternancia de luz, sombra, luz.

-Gama de colores rojizos, variedad de pardos y ocres, azules, grises.
-Técnica “alla prima”
-Pinceladas: densas, sueltas y muy ligeras

NEOCLASICISMO SIGLO XVIII-XIX

Period: 1700 to 1800

ROMANTICISMO SIGLO XIX

Period: 1800 to 1900

IMPRESIONISMO SIGLO XIX

Period: 1800 to 1900

"La muerte de Viriato, jefe de los lusitanos" (Madrazo y Agudo, José de)

1807

Hay un plano extra que se fuga hacia el fondo, se representa una cortina abierta que rompe el espacio y a través de ella se puede ver una escena exterior que muestra el campamento de los lusitanos a plena luz del día. Esta luminosidad contrasta con la penumbra que inunda toda la escena principal.

"La muerte de Viriato, jefe de los lusitanos" (Madrazo y Agudo, José de)

1807

La gradación tonal está lograda de una forma muy sutil y va desde la parte más luminosa, que está a la derecha, hacia una suave penumbra que se encuentra a la izquierda.
La escena aparece iluminada por una luz que es frontal y es invisible, (se refuerzan los colores y tonos y además se armonizan los matices.)
El colorido es tenue y bien matizado; sin embargo, proyectan una variedad de tonos dentro de los cuales se destacan el rojo y el anaranjado de las capas y el amarillo limón.

"La muerte de Viriato, jefe de los lusitanos" (Madrazo y Agudo, José de)

1807

NEOCLASICISMO
Arte formal y academicista
La composición neoclásica exigía un orden estricto en cuanto a la posición de los personajes, el empleo de una simetría, entendida como la relación de las partes con el todo, que ubica la escena en un marco espacial perspectivado y se ubica cada parte en su justa correspondencia con la totalidad.
Distintos niveles de profundidad expresados en varios planos, un equilibrio completo de las masas que así quedan distribuidas uniformemente en el espacio.

El 2 de mayo de 1808 en Madrid o "La lucha con los mamelucos"

1814

ROMANTICISMO
Composición formada por curvas, diagonales, escorzos
grandes pinceladas que crean gran dinamismo y movimiento.
Exaltación del sentimiento
El cuadro contribuye al ritmo de acción y violencia
Predominio del color sobre el dibujo.
El color se ejecuta con fuertes contrastes y se realiza con grandes manchas o pinceladas rápidas aplicando un colorido en el que se permite libertades

Realismo
Fuerte expresividad manifiesta en rostros desencajados e incluso en los caballos

3 de mayo en Madrid o "Los fusilamientos" (Goya)

1814

ROMANTICISMO
Técnica utilizada: óleo.
Color: paleta principalmente oscura, donde predominan la gama de los negros, color de la muerte por excelencia, con importantes mezclas de colores relacionados con la gama del verde. La otra gran familia cromática la forman los ocres y marrones. Sin olvidar el blanco de la camisa del hombre con los brazos abiertos que supone un gran contraste con el resto de la paleta, en su mayoría oscuros.
pincelada es amplia, larga, con grandes manchas.

3 de mayo en Madrid o "Los fusilamientos" (Goya)

1814

La luz: lámpara en la zona central que cae sobre los ejecutados (no podemos olvidar aquí el peso de la escuela tenebrista, que sin duda influyó Goya.)
contrastes entre luces y sombras y fondos oscuros
La línea: Los contornos están perfilados en negro en algunos casos. En otros, el dibujo casi desaparece. Cuerpos y rostros están deformados con una técnica expresionista.

3 de mayo en Madrid o "Los fusilamientos" (Goya)

1814

El volumen: se consigue cierta profundidad con escorzos, como el del hombre que yace con los brazos extendidos.
Exaltación del sentimiento.: rostros vulgares y atemorizados
Composición: dos grandes diagonales que confluyen en el farol colocado en el suelo: la diagonal de la montaña y la del pelotón de fusilamiento.

PINTURAS NEGRAS (GOYA)

Period: 1819 to 1823

Imágenes desgarradoras brujas, aquelarres, viejos consumidos, mundo desgarrado, mundo irreal consecuencia de los sueños, seres fantasmagóricos etc.
Son figuras sin edad, sin sexo reflejan el gesto amargo de la muerte.
Se plasma la irracionalidad, la noche.
El punto de vista es el de una persona amargada, triste, decepcionada
Son pinturas al oleo, pero el soporte es la pared.
Pincelada impetuosa irregular, pastosa.

PINTURAS NEGRAS (GOYA)

Period: 1819 to 1823

Desfigura cuerpos y caras y los transforma expresivamente.
Plasma el dolor, el miedo, la vida interior de las personas. No le da importancia a la representación de las personas, a la belleza.
Inspirará a a Munch y a E. Nolde en su temática religiosa.  Son algo difíciles de interpretar.

SATURNO (GOYA)

1823

En general característica de las PINTURAS NEGRAS
La pintura tuvo originalmente como soporte la pared (pinturas negras) para después a finales del siglo XIX ser trasladada al óleo.
En estas pinturas están presentes la muerte, el dolor, la estupidez, la maldad y la amargura. Las imágenes se simplifican al máximo
Rostros caricaturescos
Crítica a la iglesia y a la corte

SATURNO (GOYA)

1823

ROMANTICISMO
Género: mitológico y alegórico

Color: predomina el color sobre el dibujo.
Gama de blancos y negros solo rota por el ocre y el blanco y el rojo

La pincelada es rápida, enérgica, a base de manchas con mucha materia.
Naturalismo en las figuras y expresividad exagerada y deformada que influirá en el expresionismo
Gran libertad en la ejecución: aplicando manchas de color puro, anticipación del expresionismo y del surrealismo.

Los hijos del pintor en el salón japonés (Fortuny)

1874

Obra íntima y familiar dirigida de pintor a pintor (se expresa con absoluta libertad).
Poca atención al volumen, a la profundidad y a las normas de la pintura.

Los hijos del pintor en el salón japonés (Fortuny)

1874

Huella de la estética japonesa
Extraordinaria desenvoltura del pincel, consiguiendo calidades plásticas de una modernidad asombrosa en el muro del fondo, que contrastan con el volumen apurado y preciso con que están modeladas las figuras de los niños, menudas y frágiles, que quedan totalmente envueltas en el despliegue pictórico de su entorno escenográfico.

Los hijos del pintor en el salón japonés (Fortuny)

1874

IMPRESIONISTA
- Colores contrastados
- Diagonales claras
- Aparición de vegetación
- La obra presenta un tratamiento pictórico desigual (las piernas de la niña VS su cara)
- Novedosos procedimientos: la penumbra tras las plantas,
- Perspectiva de las baldosas (aunque incompleta)
- Juego de las líneas horizontales y verticales en una composición de gran elegancia por su formato marcadamente apaisado.
Diferentes planos lisos de color (muros, suelo de la estancia, elementos decorativos…)

La Canal de Mancorbo en los Picos de Europa (Carlos de Haes)

1876

REALISMO
Sensibilidad para transmitir toda la grandiosidad monumental de los elementos naturales
elaborados a partir de vibrantes estudios al óleo tomados del natural (plein air), en los que el artista capta en toda su intensidad la impresión vívida y directa de la luz y la atmósfera en la naturaleza.
Riqueza en matices, mirada precisa y certera
Realismo y veracidad
Clara estructura de líneas diagonales

La Canal de Mancorbo en los Picos de Europa (Carlos de Haes)

1876

Dimensión humana del paisaje (para ayudarnos dibuja un pastor) subrayando así la grandiosidad de la montaña y la supremacía de la naturaleza sobre el hombre. Además, añade un detalle pintoresco a sus vistas panorámicas (detalles romanticismo)
Gran sentido de los efectos espaciales y de perspectiva
Limpieza técnica y una maestría absoluta en la captación de las más sutiles tonalidades de la luz del sol sobre su superficie, resaltando así los mismos resquicios de su relieve.

La Canal de Mancorbo en los Picos de Europa (Carlos de Haes)

1876

Gradaciones cromáticas, que despliega aquí en una gama de grises azulados con toques dorados,verdes…
Vibrantes pinceladas

La Canal de Mancorbo en los Picos de Europa (Carlos de Haes)

1876

Contraste de sombras y zonas iluminadas
paisaje a base de zonas de luz que van sugiriendo los diferentes planos que marcan su profundidad espacial (tradición flamenca)
Extraordinario dominio de los recursos lumínicos del paisaje natural al igual que las sutilísimas gradaciones en cada zona del paraje montañoso.

Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga (Gisbert, Antonio)

1888

REALISMO
Temática: histórica
- La obra es de una composición sencilla pero efectista
- Dibujo crudo y firme que se ajusta a los más puros cánones académicos.
- El encuadre se muestra casi como el de una fotografía, una instantánea captada en el momento,
- Los colores, fríos y apagados, transmiten sensación de tristeza
- Maestría de Gisbert para plasmar en los rostros y gestos (de los condenados) todo tipo de emociones diferentes.

Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga (Gisbert, Antonio)

1888

• Provoca reacción emocional del espectador al situar en primerísimo plano los cuerpos sin vida de los liberales fusilados, recurso de inevitable recuerdo goyesco -Preocupación por el espacio

Niños en la playa [Sorolla]

1909

IMPRESIONISMO
Sombras, destellos proyectados en diferentes tipos de superficie
Gran veracidad del asunto
Extremado equilibrio en la composición (entre la actitud estática propia de los cuerpos tendidos y el dinamismo de su colocación relativa.)
Los destellos de la luz, brillos en los cuerpos
Gran captación de las expresiones, sensaciones (ej.aire al evaporarse sobre los cuerpos mojados)

Niños en la playa (Sorolla)

1909

Tonos turqueses, azules, violetas y malvas. Además, hay una gradación de las actitudes corporales que está relacionado con la intensidad creciente del colorido de los cuerpos, desde el blanco hasta el rojizo broncíneo del fondo.
Capacidad para recrear sombras luminosas
Sensaciones de movilidad y vibraciones únicas.

Niños en la playa (Sorolla)

1909

Los colores son vivos, luminosos y buscan un enriquecimiento con el movimiento de las figuras, como intentando que las manchas que conforman las mismas ofrezcan una gran variedad de facetas y matices dentro de un mismo color.
Sus toques de pincel son alargados, delatan su extraordinaria facilidad de ejecución y evitando caer en la técnica de una pincelada menuda e intrínsecamente aglutinante de efectos cromáticos interconectados.

CUBISMO ANALÍTICO

Period: 1909 to 1912

EL FRUTERO (Picasso)

1910

CUBISMO ANALÍTICO
Máxima descomposición en la representación.
Facetado
Muestra todos los planos superpuestos y dibujados a la vez
Tiene una fuerte impronta intelectual.
Apela a lo racional.

Prevalecen las matemáticas y el orden
La figura humana pierde protagonismo y es rebajada a la condición de mero objeto
Los contornos son tratados con una geometría
Afán rupturista (renacimiento)

EL FRUTERO (Picasso)

1910

No interesa la curva
El diálogo que ejerce la obra es más intenso.
El color de las obras se reduce a los ocres, pardos, grises, azules fuertes…
Se representa la imagen de un frutero, totalmente descompuesta
Rompe con la academia

Botella y frutas (Braque)

1911

CUBISMO ANALÍTICO
Máxima descomposición en la representación,
Tiene una fuerte impronta intelectual.
Apela a lo racional.

Prevalecen las matemáticas y el orden
La figura humana pierde protagonismo y es rebajada a la condición de mero objeto
Los contornos son tratados con una geometría
Afán rupturista
El diálogo que ejerce la obra es más intenso.
El color de las obras se reduce a los ocres, pardos, grises, azules fuertes…

Botella y frutas (Braque)

1911

Se ve el lienzo sin nada de pintura
Rompe con la academia
No interesa la curva
Facetado
Muestra todos los planos superpuestos

LOS PÁJAROS MUERTOS (PICASSO)

1912

CUBISMO SINTÉTICO
Se encuentra ya la curva en el facetado
Aparecen los elementos más representativos de la figura que se representa ( en este caso pájaros muertos)
Aparición de letras espaciadas, con las que se suele hacer juegos de palabras (ej. JOU)
Siguen predominando colores agrios, pero comenzamos a ver colores más vivos.
Comienzan a aparecer los Collages
Se incorpora la particular visión de cada uno de los artistas.

CUBISMO SINTÉTICO

Period: 1912 to 1914

VIOLIN Y GUITARRA (JUAN GRIS)

1913

CUBISMO SINTÉTICO
Descompone en planos, pero no le importa introducir la curva
Aparecen los elementos más representativos de la figura que se representa ( en este caso pájaros muertos)
Aparición de letras espaciadas, con las que se suele hacer juegos de palabras (ej. JOU)
Encontramos ya esos colores más vivos.
Comienzan a aparecer los Collages
Se incorpora la particular visión de cada uno de los artistas.
Iconografía musical: sobretodo violines y guitarras (como este ejemplo)

NAIPES Y DADOS (George Braque)

1914

CUBISMO SINTÉTICO
Despliegue en planos.
Aparecen los elementos más representativos de la figura que se representa (dados y naipes)
Recuerda al caleidoscopio todos los puntos de vista del dado
Encontramos ya esos colores más vivos, aunque sigue habiendo colores un tanto agrios
Se incorpora la particular visión de cada uno de los artistas.
Iconografía musical: sobretodo violines y guitarras (como este ejemplo)

LA BOTELLA DE ANÍS (Juan Gris)

1914

CUBISMO SINTÉTICO
Descompone en planos, pero no le importa introducir la curva
Aparecen los elementos más representativos de la figura que se representa ( en este caso botella de anís)
Aparición de letras espaciadas, con las que se suele hacer juegos de palabras (ej. JOU)
Introduce pegatina real (evita así tener que copiarla)
Encontramos ya esos colores más vivos.
Comienzan a aparecer los Collages
Diseño gráfico e industrial: quieren ir al arte puro

SEGUNDO CUBISMO O ARTE PURO

Period: 1915 to 1919

ARLEQUÍN (Juan Gris)

1918

SEGUNDO CUBISMO O ARTE PURO
Figuras más representadas: arlequín
Quiere ir de lo general a lo particular; de la abstracción a la figuración
Arte deductivo
Los colores cada vez van a ser más brillantes, aunque justo en este cuadro siguen siendo agrios y oscuros

LA GUITARRA (JUAN GRIS)

1918

SEGUNDO CUBISMO O ARTE PURO
Figura más representada junto arlequín, instrumentos (como este caso) y bodegones
Aunque mantiene el respeto a la forma, la convierte en una Estructura abstracta que combina las visiones frontal y lateral
Colores locales se liberan de los contornos negros
Rimas, ecos, poesía que integra tema y estructura.
Trozos de la realidad que se integran en
el plano pictórico cobrando un nuevo sentido como
realidad visual construida.

LA GUITARRA (JUAN GRIS)

1918

Nada es rígido (ej. el papel estampado se introduce en la
guitarra, con un sentido de eco, de rima de las texturas
de la parte superior o las cuerdas de la
guitarra pierden su condición figurativa para convertirse
en un elemento compositivo abstracto: un conjunto
de paralelas).

EL MOLINILLO CAFE (JUAN GRIS)

1920

SEGUNDO CUBISMO O ARTE PURO
Referencia cubismo sintético por las letras (LEJ)
Colores agrios
Ruptura de la perspectiva renacentista
No les interesa la tercera dimensión que es el volumen
Rompen con las reglas de la academia
Facetado de la imagen, se aprecia con mayor facilidad qué se representa, pero sigue estando la imagen desfigurada
Superposición
Se utiliza también la curva (como en el sintético)

LA VENTANA ABIERTA (JUAN GRIS)

1921

RIMAS PLÁSTICAS (no es un periodo general o estilo de cubismo, sino un periodo del pintor Juan Gris)
Se siguen apreciando superposición de planos, pero muy imbricado con la figuración
Colores más vivos
Predomina la figuración dentro de la narración
El exterior entra en el interior ej. las nubes
Estas composiciones para él eran sinestésicas ya que querían entablar un diálogo con los cinco sentidos.
Oído: Iconografía musical
Gusto: uvas
Olfato: mar
Tacto: vidrio, madera...
Vista: aglutina todo…

LA VENTANA ABIERTA CON COLINAS

1923

RIMAS PLÁSTICAS (no es un periodo general o estilo de cubismo, sino un periodo del pintor Juan Gris)
Se siguen apreciando superposición de planos, pero muy imbricado con la figuración
Predomina la figuración dentro de la narración
Estas composiciones para él eran sinestésicas ya que querían entablar un diálogo con los cinco sentidos.
Oído: Iconografía musical
Gusto: vaso
Olfato: paisaje
Tacto: vidrio, madera...
Vista: aglutina todo…

FIGURA EN UNA VENTANA (Salvador Dalí)

1925

SURREALISMO
La gama cromática que predomina en esta obra son los tonos azules, fríos y sobrios.
Realismo
Profundidad y perspectiva del espacio (gracias a las líneas del pavimento y de la hoja de la ventana)
Continuidad de color entre el vestido y el mar
Sencillez en la composición
Algunas desproporciones (en su cuerpo)
Ventana sin bastidor

RETRATO (Salvador Dalí)

1925

1925-1929
SURREALISMO
Figuración
El componente onírico esta más diluido
Hace un guiño al mundo de los sueños
Figura que no llegamos a ver su rostro
Ventana sin bastidor, el primer cuadro…

UN MUNDO (Ángeles Santos)

1929

PERIODO ENTREGUERRAS
Pintura onírica: clasicismo onírico
Estamos en la figuración, pero no es academicismo o de perspectiva renacentista.
Abraza la figuración clásica desde la óptica Onírico .
Iluminación, por ejemplo en los cuerpos de las señoras.
El lienzo encierra literaturidad
Representa un mundo cúbico.
Metáfora sobre la sexualidad
Iconografia musical
Surrealista en su fondo y concepción
Se basa en poemas de Juan Ramon Jimenez
Colores azulados, agrios...

TIERRA Y EXCREMENTOS (MARUJA MALLO)

1932

SURREALISMO
- Pertenece a su segunda etapa pictórica que se desarrolló en la época de los años 30 (1932)
Temática de dolor y guerra
- Tonos sombríos y apagados
- Aproximan a la autora a su surrealismo telúrico
- Evoca la materialidad de la tierra

Estudio para «Premonición de la Guerra Civil» (DALÍ)

1935

SURREALISMO
- Óleo sobre lienzo
- Premonición de la guerra civil.
- Cuerpo que se descoyunta así mismo.
- Colores agrios, ocres.
- Pintura muy agresiva.

Mujer y perro delante de la luna (MIRÓ)

1935

SURREALISMO
- Quiere romper con las reglas.
- Se queda con lo figurativo, pero solo a su manera.
- Muchas veces los nombres de sus obras explican qué se representa exactamente, dado que en ocasiones puede ser difícil entender la obra.
- Encontramos elementos sobrenaturales, iconografía como la luna , estrellas…
- Forma parte de sus pinturas salvajes, incluso para el propio Miró algunas de sus figuraciones le daban miedo y le causaban cierto terror.
- Colores muy vivos

Cabeza de mujer llorando (I). Postscripto de «Guernica» (PICASSO)

1937

Quiere transmitir grito desgarrador
Colores blancos, negros y grises
Se influencia por las fotos que observa en los periódicos
Se basa en diferentes iconografíaas

EL GUERNICA (PICASSO)

1937

CUBISMO
Óleo sobre lienzo.
Obra figurativa, con elementos y figuras reconocibles, aunque con un alto grado de abstracción.
Pintura no naturalista..
Su estructura formal es geométrica
La escena está organizada con claridad
Existen varios focos de luz como la lámpara, la vela, las llamas, la ventana…), pero la iluminación de la escena no se rige por ellos.
Las figuras están fuertemente iluminadas.
La función de la iluminación en esta obra es crear focos de atención y expresar dramatismo.

EL GUERNICA (PICASSO)

1937

El cuadro es cubista, pero tiene rasgos surrealistas (transferencia de la cualidad de los objetos) y expresionistas (deformación expresiva de las formas).
Sinestesia: el caballo tiene la lengua en pico que representa un puñal, algo desgarrador y ahogado

EL GUERNICA (PICASSO)

1937

Se emplean manchas de tonos planos, sin gradación, que producen un efecto bidimensional. Sin claroscuro.
Imagen acromática, sin color. Pintada en blanco y negro (tonos dominantes de la obra) con una gama de grises.
Poco interés por la representación de un fondo o tridimensionalidad.
Domina la apariencia bidimensional.
Artificios cubistas como la representación de más de un punto de vista en el mismo plano.
Personajes congelados en plena acción (de gritar.)