Linea del tiempo de Jazz timeline

En el dixieland, tres instrumentos destacan: la tuba, la corneta y el piano. El ritmo y la base armónica corren a cargo de la batería, el bajo, el clarinete y el trombón, aunque muchas veces toman un papel protagonista (interpretado solos improvisados). En el dixieland se desarrollaron técnicas instrumentales específicas, como el estilo tailgate de los Trombonistas.

El dixieland, lo tocaban músicos blancos, que imitaban el estilo "Nueva Orleans", que lo tocaban preferentemente músicos negros Los músicos blancos utilizaron el término “dixie” para referirse a la música que hacían y su procedencia. El primero que lo utilizó fue Jack Papa Laine. Como explicación final a este término y su significado, que al final se convirtió en todo aquello que tuviera referencia o tratara del jazz tradicional.

En el mundo existen numerosos festivales dedicados a este estilo del jazz más tradicional. En Europa son especialmente importantes por su trayectoria los de Breda (Países Bajos), Dresde (Alemania), Miskolc (Hungría) y Tarragona (España). El Festival Internacional de Dixieland de Tarragona es el único especializado dedicado a este género que existe en España.

BB KING
Es ampliamente considerado uno de los músicos de blues más influyentes de todos los tiempos. Según Edward M. Komara, King «introdujo un sofisticado estilo de solos basados en fluidas cuerdas [de guitarra] dobladas y brillantes vibratos que influirían prácticamente en todos los guitarristas de blues eléctrico que le siguieron»
Papa Jack Laine, fue un baterista y contrabajista norteamericano de jazz tradicional. En primera banda, dedicada a tocar ragtime. El grupo obtiene un gran éxito

Surge en el estado de Luisiana, en Nueva Orleans (cuna del estilo musical y principal centro jazzístico durante la primera época del jazz). Los solistas elaboraban largas variaciones melódicas sobre el tema principal en tempos muy lentos o medios. Interpretaban espirituales, ragtimes, marchas y cantos de origen afrocubano. El peso recaía en la corneta apoyada por el trombón y el clarinete improvisando sobre la melodía base, tenían una función meramente rítmica los otros instrumentos

El estilo de Nueva York, o High brow, comenzó con la orquesta de Fletcher Henderson. Representando la nueva forma de tocar un tipo de jazz estilizado, menos localizado y más universal, «realizado sobre la base de una fórmula de transacción que estriba en orquestaciones preparadas de antemano y escritas para conjuntos cuyo número de instrumentos no hacía posible la polifonía hot».Duke Ellington, en el Cotton Club de Harlem, popularizaron el genero, desembocando luego en el swing.

CHICAGO JAZZ 1920 Los músicos blancos interpretaban jazz en Chicago (al suroeste del lago Michigan) característica distintiva, adquirió gran predicamento el saxofón en los solos improvisados, en detrimento del trombón y clarinete. Así, comenzó a cambiar vibración, tiempo y clima hot del primitivo jazz, para dar paso a una orquestación con más arreglos que improvisaciones que tienden a ser consecutiva por los instrumentos de vientos, piano o cuerda, el resto de fondo va repitiendo riffs.

El Swing tiene su Escuela N.Y. En realidad, se trata de una evolución de las concepciones hot, en las que se introducen los aspectos del nuevo jazz. Encuadran como Swing pionero, los Cotton Pickers de William McKinney, con innovaciones rítmicas, melódicas y armónicas, trampolín de músicos que serían famosos (Coleman Hawkins, Rex Stewart, etc.). McKinney estableció las normas básicas de arreglos para las secciones melódicas de la big band: la de saxos y la de metales (trompetas y trombones).

Originó en Estados Unidos hacia finales de los años 1920 inicio los 30. Utiliza instrumentos habituales del jazz, la sección rítmica formada por piano, contrabajo y batería; trompetas y trombones; instrumentos de viento-madera, saxofones y clarinetes; y a veces, las cuerdas violín o guitarra. Usa tempos medios y rápidos, generaliza los riffs melódicos y libera la batería de restricciones . Fletcher Henderson, Benny Goodman, Duke Ellington o Count Basie exponentes.
https://youtu.be/WGq-eCoPSwA

La escuela principal se desarrolla en París, con un dominio casi abusivo del Hot Club de Francia. Se trata de un swing elaborado con un lenguaje absolutamente hot. El cuarteto del guitarrista gitano francés (aunque nacido en Bélgica), Django Reinhardt, creador de un estilo personal e inconfundible que aún hoy en día tiene influencia en buen número de instrumentistas modernos, y de su violinista, Stephane Grapelli. La escuela creada por Reinhardt se denominó jazz manouche.

Era interpretado grupos pequeños en los que el batería y el bajo estaban equiparados musicalmente con los trompetistas y pianistas que tocaban los solos. Una música mucho más compleja, siendo rápido y frenético. La improvisación era parte de su esencia. Requería también una experta interacción entre los músicos.. La pulsación básica se interinaliza y la batería, se independizan de ella y asumen papeles melódicos. En 1942 se prohibió grabar música de protesta por falta de ingresos.

En la década de 1940, las grandes big bands de los años 1930 se reducían a combos, debido a problemas económicas. Sin embargo, los afroamericanos querían bailes de salón con sonido fuerte y bailable. Se enfatizó el saxofón y los vocalistas, clasificados como "honkers” y “shouters". Las ciudades del medio oeste, Kansas City y St. Louis, actuaban como incubadoras de la escena del Jump Blues, con su patrimonio de bandas de hot swing con vocalistas que estaban abiertos a la influencia del blues.

También conocido como “Jazz de la Costa Oeste”, era un bebop interpretado de un modo ligeramente más comedido, con temposmenos frenéticos, metales mucho más relajados y arreglos más regulares. Así, los músicos se despedían de las complejidades armónicas de Charlie Parker, catalogados en este nuevo estilo más comercial y muy blanco. El cool jazz nació en las calles de Nueva York, cuando Miles Davis se alejaría del bebop más frenético, y lo llevaría directamente a las arenas del jazz modal.

Fue una reacción al cool jazz que resultó en secciones rítmicas más homogémeas y más ágiles con rigor del tempo. Surgió una pléyade de excelentes rítmicos, tales como los bateristas Philly Jo Jones, Roy Haynes, Jimmy Cobb y Kenny Clarke. Frente a los contrabajistas Oscar Pettiford y Ray Brown. las melodías en los acordes, la alteración sistemática de los dominantes y un uso extensivo de la quinta disminuida sobre los acordes mayores. El fraseo y la instrumentación retoma la fuerza del Bebop,

Es una fusión de jazz con ritmos latinoamericanos, en la que se combina la improvisación de este género norteamericano con la percusión latina. Es también denominado jazz afrocubano o jazz cubano, antes de su futuro enriquecimiento con otros ritmos latinoamericanos de origen africano. Ell jazz latino emplea un ritmo fijo usando a la vez una forma de clave. La conga, el timbal, el güiro y las clavesson instrumentos de percusión que contribuyen al sonido latino.
https://youtu.be/6qgF5Vd1mi4

El ritmo no se localiza en ningún grupo de instrumentos, sino que se extiende a la globalidad en forma de impulsos, de energía. La melodía y el ritmo no se tratan como sectores independientes, sino interrelacionados. Los acordes y la estructura melódico-armónica son espontáneos, la acción y la atonalidad. Se pierde totalmente el concepto de fraseo, llegándose a una autonomía de los distintos sonidos, ampliándose la entonación y el timbre específico de los instrumentos al campo de los ruidos.

Al principio de los años sesenta, los géneros musicales influenciados por la música afroamericana, como el rock and roll y el soul, ya formaban parte de la música popular estadounidense. En Reino Unido, las bandas de músicos emulaban a las leyendas del blues estadounidense, y a lo largo de la década el blues inglés desempeñó un importante papel de recuperación de cantantes afroamericanos al llevarlos a Europa y reinterpretar sus temas clásicos.
https://youtu.be/IPtv14q9ZDg

Con frecuencia incluido entre los supuestos de música latina, la bossa nova es el resultado de la interacción entre los conceptos jazzísticos, que se extienden por Brasil en la década de 1950, con la música afro-brasileña tradicional, y especialmente con la samba, el candomblé y otras de carácter regional. Dando lugar a un género nuevamente mixtificado que se denominó inicialmente samba jazz, La bossa nova influyó de forma definitiva a la música pop brasileña.
https://youtu.be/qcf9Opdfmzw

En música, crossover es un término utilizado para describir material "prestado" de diferentes géneros musicales. Comenzó en los años setenta. Investigadores, como Ronald Atkins, algunos músicos de jazz se inspiraron en el rock, ya sea por gustos musicales personales como por el éxito y las buenas ventas del rock. Las influencias mayores del crossover jazz son el rock and roll, la música pop, el rhythm and blues. Los músicos George Benson, Claude Bolling, Bob James, Al Jarreau y Earl Klugh.

Se desarrolló a partir de la década de 1950 por músicos como Buck Clayton entre otros; intérpretes que formaron parte de las big band swing pero no abandonaron el estilo bebop saltando de un estilo a otro mientras se formaban pequeñas agrupaciones. A mediados de los 60 bajó la popularidad pero se recuperó en los 70. La definición es "resbaladizo", es decir los solistas de jazz según los acordes, el estilo de Louis Armstrong en la década de 1920, o incluso la jazz fusión son puntos de referencia

En la música, se denomina al fusión a la "conjunción de dos o más estilos distintos, para producir una forma única e identificable por separado de ellos", según la clásica definición de Clayton y Gammond. Fue aplicada por primera vez al jazz por el productor Denis Preston, a mediados de los años 1960. El gran éxito comercial de la fusión con el rock (el jazz rock), ha hecho que el término Jazz Fusión se aplicó con carácter preferente, aunque no excluyente,
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