Corrientes Artísticas

Prehistoria

1 CE

Arte paleolítico

2

40.000- 10.000 a.C.

Arte Mesolítico

3

10.000-4.000 a.C.

Arte Neolítico

4

4.000-2.000 a.C.

Edad Antigua

5

Arte Egipcio

6

5.300-30 a.C.

Arte Mesopotámico

7

4.000-539 a.C.

Arte Minoico

8

3.000-1.400 a.C.

Arte Micénico

9

1.500-1.100 a.C.

Arte Griego

10

1.000-320 a.C.

Arte Etrusco

11

800- 100 a.C.

Arte Romano

12

400 a.C-476 d.C.

Edad Media

13

Arte Paleocristiano

14

Siglo I-IV

Arte Bizantino

15

330- 1.453

Arte Visigodo

16

415- 711

Arte Mozárabe

17

711- 1.000

Arte Carolingio

18

780- 900

Arte Otoniano

19

950- 1.050

Arte Romántico

20

Siglo XI-Siglo XIII

Arte Gótico

21

Siglo XII- SIGLO XVI

Arte Mudejar

22

Siglo XII- Siglo XVI

Edad Moderna

23

Renacimiento

24

Siglo XV- SIGLO XVI
El Renacimiento se caracteriza por un renovado interés en el mundo grecolatino, y por ende el Humanismo, La estética renacentista valora las formas equilibradas y armónicas, y la idealización de la realidad.
Autores:Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci, William Shakespeare.

Manierismo

25

1530- 1600
El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción.
Autores: Guilio Romano, Sebastiano del Piombo, Jacopo Pontormo.

Barroco

26

1600- 1750 Europa
Las características artísticas generales del barroco son el predomino de lo decorativo sobre lo estructural, búsqueda de sensaciones de movimiento y tensión, de la emoción antes que la belleza.
Autores: Pedro Pablo Rubens, Caravaggio, Rembrandt.

Rococó

27

1720- 1740 Francia
se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco. Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo refinado.
Autores: François Boucher, Antoine Watteau y Jean-Honoré Fragonard.

Edad Contemporánea

28

Neoclasicismo

29

1730-1820 Francia
El eje fundamental de este estilo es la recuperación de los valores estéticos de la cultura clásica grecorromana, especialmente la idea de sencillez, de simetría y de belleza.
Autores: Juan Meléndez Valdés, José Iglesias de la Casa, Tomás de Iriarte.

Romanticismo

30

Finales del Siglo XVIII hasta mediados del Siglo XIX Inglaterra y Alemania
Sus características principales son el subjetivismo, exaltación de la personalidad individual, oposición a las normas clásicas, valoración de la Edad Media y de las tradiciones nacionales.
Autores: Gustavo Adolfo Bécquer, José de Espronceda, Mariano José de Larra.

Realismo

31

Siglo XIX Francia
El Realismo es un estilo que refleja la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos, religiosos o alegóricos. Su fidelidad al detalle lo diferencia de la glorificación idealizadora romántica.
Autores: Gustave Courbet, Jean-François Millet, Gustave Courbet.

Impresionismo

32

Mediados del Siglo XIX Francia
Se caracteriza por su persistente experimentación con la iluminación. El manejo de la luz se considera como un factor crucial para alcanzar belleza y balance en la pintura, los tonos oscuros no son usuales.
Autores: Camille Pissarro, Édouard Manet, Edgar Degas.

Simbolismo

33

Finales del Siglo XIX Francia y Bélgica
El simbolismo desvalorizo la visión realista del impresionismo y representaba la idea a través de símbolos e ideas. Con esta idea, los artistas no pintaban viendo los objetos sino usaban la memoria.
Autores: Odilon Redon, Gustave Moreau, Pierre Puvis de Chavannes.

Neoimpresionismo

34

Finales del Siglo XIX Francia
Se basa en los estudios de color y en el principio de la división sistemática de tonos y se concretan sus trabajos mediante la técnica del puntillismo y el divisionismo, que consiste en la aplicación fragmentada del color.
Autores: Georges Pierre Seurat, Paul Signac, Théo van Rysselberghe.

Postimpresionismo

35

Finales del Siglo XIX y principios del Siglo XX Francia
Supone entre otras cosas una recuperación de la importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas.
Autores: Vicent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cézanne.

Modernismo

36

Finales del Siglo XIX y principios del XX Europa
El estilo modernista fue sobre todo decorativo y sus manifestaciones más características tuvieron lugar en el campo de las artes aplicadas: cerámica, vidrio, y grabado.
Autores: Alfons Mucha, Gustav Klimt, Henri de Toulouse-Lautrec.

Arte Naíf

37

Finales del Siglo XIX Francia
Caracterizada por la ingenuidad y espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y contrastados y la perspectiva acientífica captada por intuición.
Autores: Henri Julien Félix Rousseau, Antonio Ligabue, Nikifor.

Fovismo

38

1905- 1908 Francia
Se centra en la expresividad que va más allá del realismo de las situaciones, no obstante, tiene una fuerte relación con la naturaleza, buscando de la unión del arte con la vida con sentido.
Autores: Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck.

Cubismo

39

1907-1914 Francia
En esta corriente desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano
Autores: Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris.

Futurismo

40

1909- 1930 Italia
buscaba reflejar el movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual y todo lo que fuese moderno. Este movimiento rompía con lo tradicional y lo pasado.
Autores: Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Gino Severini.

Expresionismo

41

1910-1945 Alemania
Busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. Se entiende como una actitud ante el arte y la vida.
Autores: Edvard Munch, Emil Nolde, Ernst Ludwig Kirchner.

Rayonismo

42

Principios del siglo XX Rusia
Los "rayos de colores" que denominan el estilo, ordenados en rítmicas y dinámicas secuencias (paralelos, perpendiculares o convergentes y divergentes), construyen el espacio pictórico.
Autores: Mijaíl Lariónov, Natalia Goncharova, Jackson Pollock.

Pintura Metafísica

43

1911-1920 Italia
La atención a la simplicidad de las cosas ordinarias constituyó la idea fundamental de las obras. Tiene un marcado deseo por representar la vida interior de los objetos y su interrelación.
Autores: Giorgio de Chirico, Giorgio Morandi, Filippo de Pisis.

Orfismo

44

1912-1913 Italia
El objetivo es, mediante la forma geométrica y la asignación estudiada del color en cada una de las secciones conseguir el mayor dinamismo posible causando, incluso, sensación de movimiento en el espectador.
Autores: Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Aristarj Lentúlov.

Constructivismo

45

1914-1930 Rusia
Sus obras fueron difusoras de propagandas Revolucionarias. Se realizaban carteles, propagandas, fotografías, ilustraciones, etc. Tenían un predominio de la tridimensionalidad y las líneas inclinadas, también, poseían motivos abstractos, utilizaban formas geométricas y lineales.
Autores: Aleksandr Ródchenko, Liubov Popova, Joaquín Torres García.

Suprematismo

46

1915- 1925 Rusia
Abstracción de las formas (todo se reduce a triángulos, cuadrados, la cruz y el círculo), tiene formas puras y absolutas, gama de colores reducida.
Autores: Kazimir Malévich, El Lisitski, Olga Rozanova.

Dadaísmo

47

1916- 1924 Suiza
Se promueve un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.
Autores: Jean Arp, Tristan Tzara, Hugo Ball.

Neoplasticismo

48

1917- 1944 Europa
Basado en la idea de despojar al arte de todo elemento o accesorio para llegar a la esencia de un lenguaje plástico objetivo y, por ende, universal. Preferencia por los colores primarios más el blanco, el negro y el gris.
Autores: Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Vilmos Huszár.

Nueva objetividad

49

1920- 1933 Alemania
La realidad se hace contradictoria y una ausencia de emociones más aparente que real convierte a estas pinturas en un eficaz medio de denuncia social. Las composiciones se articulan con rigidez sobre un dibujo muy ágil, se eleva la fealdad.
Autores: Otto Dix, George Grosz, Max Beckmann.

Art Decó

50

1920- 1950 Francia
Buscaba representar líneas y formas tomadas de la geometría; mientras más exactas y definidas, mejor. Entre estas formas geométricas es común encontrar rayos o líneas oblicuas, círculos, triángulos, etc.
Autores: Tamara de Lempicka, Louis Icart, Claire Colinet.

Surrealismo

51

1924- 1966 Francia
Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.
Autores: Salvador Dalí, André Breton, René Magritte.

Racionalismo

52

1925- 1940 Europa
Se pinta lo que antes no merecía ser pintado. Las formas se tornan más claras y nítidas, el centro de todo es el hombre.
Autores: Rembrandt van Rijn, Fernando García Mercadal, Josep Lluis Stert.

Tachismo

53

1940-1960 Francia
Fue una reacción al cubismo y se caracteriza por una pincelada espontánea, goteos y manchas de pintura directamente provenientes del tubo, y a veces garabatos que recuerdan a la caligrafía.
Autores: Wols, Georges Mathieu, Jean Fautrier.

Expresionismo abstracto

54

1944- 1964 Estados Unidos
Deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones.
Autores: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko.

Arte Marginal

55

Mitad del siglo XX
El individuo o en este caso artistas que crea una obra de arte lo hace de forma despreocupada ante las expectativas de las demás personas. Por esta razón, la conciencia del artista es la clave para realizar un auténtico arte marginal.
Autores: Jean Dubuffet, Adolf Wölfli, Louis Wain.

Informalismo

56

1946- 1960 Europa
La característica fundamental de las producciones informalistas radica en la valoración de las superficies y las cualidades de la materia, predominio de la espontaneidad y el gesto.
Autores: Toshimitsu Imaï, Fernando de Szyszlo, Antoni Tàpies.

Espacialismo

57

1947- 1968 Italia
La mayor preocupación del movimiento es desarrollar las potencialidades espaciales de la pintura obviando cualquier otro tipo de consideración. A través de rasgados, perforaciones y acuchillados el espacio externo a la obra penetra en ella.
Autores: Lucio Fontana, Anton Giulio Ambrosini, Antonio Sanfilippo,

Pop Art

58

1950-1960 Reino Unido y Estados Unidos
Buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras.
Autores: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Richard Hamilton.

Happening

59

1957 Estados Unidos
Tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los "espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva.
Autores: Allan Kaprow, John Cage, Jin Dine.

Minimalismo

60

1960 Estados Unidos
Donde cualquier cosa u objeto es reducido a lo esencial, despojado de elementos sobrantes, quedando sólo sus características fundamentales, utiliza lo mínimo.
Autores: Donald Judd, John McLaughlin, Ludwig Mies Van Der Rohe.

Nuevo Realismo

61

1960- 1970 Italia
La sociedad y sus problemas se constituyeron en el tema central. En el Nuevo Realismo ya no importaba el mundo subjetivo del autor, sino el entorno social y personal de los personajes.
Autores: Yves Klein, Jean Tinguely, Niki de Saint Phalle.

Hiperrealismo

62

1960-1970 Estados Unidos y Europa
Su objetivo es reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que las imágenes fotográficas, por lo que se puede decir que es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta que ha existido.
Autores: Chuck Close, Richard Estes, Rober Bechtler.

Arte Conceptual

63

1961 Estados Unidos
La idea principal que subyace en ella es que la verdadera obra de arte no es el objeto físico producido por el artista, sino que consiste en conceptos e ideas.
Autores: Marcel Duchamp, Sol LeWitt, Joseph Beuys.

Op Art

64

1950-1960 Estados Unidos
Se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Es un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece.
Autores: Victor Vasarely, Yaacov Agam, Bridget Riley.

Nueva Abstracción

65

1964 Estados Unidos
Cultiva la abstracción pero los elementos artísticos o escultóricos tienen escasa complejidad; pueden caracterizarse por: - Empleo de formas geométricas simples. - Combinación constante de colores planos.
Autores: Walter Darby Bannard, Gene Davis, Thomas Downing.

Arte Povera

66

1960-1970 Italia
Propone un modelo de extremismo operacional basado en valores marginales y pobres. Utiliza un alto grado de creatividad y espontaneidad e implica una recuperación de la inspiración, la energía, el placer y la ilusión convertida en utopía.
Autores: Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Richard Serra.

Land Art

67

1960-1970 Estados Unidos
Busca sacar el arte de los museos, llevando las obras al exterior. La mayoría de obras de Land Art son provisionales, su carácter efímero se basa en su exposición al entorno y los elementos naturales que las rodean, como la lluvia, la erosión, el viento o cualquier variación natural del escenario donde se desarrolla.
Autores: Andy Goldsworthy, Robert Smithson, Richard Long.